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Les Photographies Minimales De Katherine Hubbard Rendent Des Sujets Familiers D’Un Autre Monde

 Katherine Hubbard, épaule de nature morte, 2019.

Dans son travail photographique, Katherine Hubbard tend vers l’impénétrabilité, décontextualisant les objets et rendant des paysages familiers d’un autre monde. Hubbard, dont la pratique comprend également la performance et l’écriture, fait des références soigneusement étudiées au minimalisme dans sa photographie, avec une attention particulière à l’ambition de la sculpture minimaliste de réorienter la relation du spectateur aux paramètres physiques des œuvres. Son exposition chez Company, « Avoid glancing blows » (all works 2019), présentait des tirages argentiques à petite échelle – la plupart accrochés au mur dans des cadres en bois blond, et quatre placés dans des cadres articulés au sol.

 Katherine Hubbard, sel rotatif à gauche, 2019.
Katherine Hubbard: sel rotatif à gauche, 2019, tirage à la gélatine argentique dans le cadre, 14 par 21 pouces; à l’entreprise.

Le « XO » adjacent de Smithson – comprenant deux photographies aériennes d’arrangements rocheux près de la jetée en spirale de terrassement de Robert Smithson dans l’Utah, l’une entrecroisée et l’autre circulaire — était la référence la plus directe de l’exposition à l’héritage du minimalisme, mais un groupe de photographies à contraste élevé représentant un espace souterrain brut en poutres de bois sculpté dans le substrat rocheux démontrait le plus efficacement la déstabilisation du décor par Hubbard. La roche de lit de pierre bleue et la rubblisation étaient des vues fragmentées et étroitement encadrées du site fortement éclairé, tandis que sans titre (bande de roulement) et sans titre (griffe) offraient des aperçus crépusculaires de la machinerie lourde vraisemblablement utilisée pour le créer. Hubbard n’offre que des vues partielles de l’environnement, de plusieurs points de vue, privant les spectateurs de tout sens d’un cadre singulier ou fixe et induisant plutôt une prise de conscience accrue de la contingence de leurs propres perspectives.

L’intérêt de Hubbard pour déplacer les perspectives des spectateurs était également évident dans un trio de photographies montrant deux pieds de biche disposés dans des configurations différentes dans son studio : allongés l’un au-dessus de l’autre dans still life spoon; équilibrés dos à dos dans still life lean; et debout l’un devant l’autre dans still life shoulder. Les fonds sombres des photographies et le positionnement décisif et ballétique des objets rapprochent ces  » natures mortes  » du portrait, la qualité anthropomorphe faisant écho aux références des titres aux parties du corps et aux gestes.

 Katherine Hubbard, pierre bleue, 2019.
Katherine Hubbard: blue stone bed rock, 2019, tirage à la gélatine argentique, 36 7/16 par 48 pouces; chez Company.

Représentant des jambes pâles et nues foulant l’eau, les photographies placées dans des cadres articulés sur le sol étaient également des études de position. Les images sont éthérées et tachetées de lumière, sensuelles mais désexualisées, leurs sujets inconnus et leurs décors nébuleux. L’anonymat, cependant, a aidé les téléspectateurs à voir la relation formelle des images avec Xingu River ray, une photographie murale d’une raie sous l’eau au zoo de Pittsburgh. Tout au long de l’exposition, Hubbard a nivelé les distinctions entre différents types de sujets, confondant l’humain et l’animal, vivant et inerte, profitant de la capacité de la photographie à rendre le lieu commun étrange.

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